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La Caramba
La Caramba
El personaje más extrovertido de la tonadilla española en el s. XVIIIMaría Hinojosa, soprano
Forma Antiqva
Aarón Zapico, dirección»María Antonia Vallejo Fernández de edad de treinta y seis años, casada con Agustín Sauminque. Vivía [en la] calle del Amor de Dios. Recibió los Santos Sacramentos y murió en diez de junio de mil setecientos ochenta y siete. Testó en siete de mayo del mismo año, ante Félix Tadeo Serrano. Señaló veinte misas rezadas con limosna de cuatro reales. Nombró, por sus testamentarios, a su madre, María Manuela Fernández, que vive en la calle del Amor de Dios, número diez, y a Manuel Martínez, que vive en la calle del Niño, número nueve. Instituyó por su heredera a la dicha María Manuela Fernández, su madre. Y se la enterró en público en esta iglesia parroquial, en la capilla de la Congregación de Nuestra Señora de la Novena, por haber sido de ella«. La rúbrica del teniente mayor Juan Antonio de Irusta testificaba de este modo la partida de sepelio de María Antonia Vallejo, conocida con el sobrenombre de »La Caramba«.
Nacida en Motril [Granada] en 1751, hija de Bernardo Vallejo y la citada María Manuela Fernández. A los diecisiete años se trasladó a Cádiz, donde estuvo a cargo de una pariente lejana y tuvo ocasión de entrar en contacto con la intensa actividad escénica de la ciudad. Debió de trabar contacto allí con el empresario Manuel Martínez, que impulsó su carrera presentándola en la escena teatral madrileña. Así, la joven se instaló en 1776 en la ciudad, que se convertiría en escenario de una breve pero fulgurante carrera.
Parece que la interjección »¡caramba, caramba!« en el texto de la famosa tonadilla atribuida a Pablo Esteve [1730-1794] fue el origen del sobrenombre de la artista, que aparece referida de este modo en numerosas fuentes musicales, frecuentemente como dedicataria de composiciones concebidas para su interpretación. Con el nombre de »caramba« fue también designado el ostentoso to- cado con el que María Antonia solía adornar sus peinados y que se convirtió en símbolo de moda femenina de la época.
Sus atrevidas actuaciones, sus llamativas exhibiciones públicas, el escándalo de sus relaciones amorosas o de su falso y breve matrimonio con el adinerado Agustín Sauminque y Bedó culminaron en un episodio místico que determinó a la can- tante a abandonar su oficio: un sermón del fraile capuchino Diego José de Cádiz la movió hacia la introversión. Y así fue como 1785, La Caramba abandonó los escenarios, dedicándose a la oración y a la penitencia. El poema titulado Verdadero arrepentimiento que hizo una muger […], publicado en Málaga en fecha indeterminada por Félix de Casas y Martínez, daba expresión a este acto íntimo de contrición por una vida licenciosa pasada: Pues sumergida hasta ahora en obscenas inmundicias he vivido, en adelante ya no seré quien solía. […] Ya dexaste los paseos, las músicas y alegrías: ya dieron fin los convites, y las noches divertidas. María Antonia falleció solo dos años más tarde, el 10 de junio de 1787. Tres años más tarde, Francisco Javier de Villanueva publicaría un epitafio en verso dedicado a la »penitencia y buena muerte« de la artista.
CHORIZOS, POLACOS Y PANDUROS
La intensa vida teatral del Madrid de finales del siglo XVIII –brillantemente caricaturizada por Francisco Asenjo Barbieri un siglo más tarde en la zarzuela »Chorizos y polacos«— pivotaba en torno a varios núcleos de producción lírica, como eran los teatros del Príncipe, de la Cruz y de Los Caños del Peral. Estos tres escenarios dividían a la afición teatral en »chorizos«, »polacos« y »panduros«, respectivamente.
A su llegada a la capital en 1776, María Antonia se unió a la compañía del empresario Manuel Martínez, que actuaba en aquel momento en el Teatro de la Cruz. Sin embargo, durante las siguientes temporadas alternaría su presencia interpretando también en el Teatro del Príncipe. Su compañero masculino de reparto fue Miguel Garrido [1745- 1807], »príncipe de los graciosos«; para esta pareja artística compusieron autores de la talla de Blas de Laserna, José Castel, Antonio Rosales, Fernando Ferandiere o el ya mencionado Pablo Esteve.
En cierto modo, el declive de la figura de »La Caramba« sigue un curso paralelo a la evolución del género musical que la encumbró. En su origen, en torno a 1750, las tonadillas cumplían una función similar al sainete o el entremés: la de distraer a la audiencia durante los entreactos del teatro. Sin embargo, el favor del público pronto las erigió como forma independiente en las décadas de 1770 y 1780. El género fue adquiriendo una mayor complejidad en su desarrollo escénico, lo que también le llevó a la decadencia en las primeras décadas del siglo XIX.
En el caso de las tonadillas recogidas en este trabajo, nos encontramos ante la forma en su más brillante estadio de desarrollo: una canción estrófica de temática popular en la que conviven ritmos y giros melódicos derivados del folclore. Tras una breve sección instrumental inicial, el núcleo de la tonadilla está conformado por una sección intermedia de coplas, a la que siguen las seguidillas de la parte final. Los cambios métricos son frecuentes a lo largo del desarrollo de la pieza y cumplen una doble función, contribuyendo en la percepción de la estructura interna de la pieza a la vez que remiten a los apoyos rítmicos de la danza y convergen con la acentuación natural del verso.
USTED QUIERE… ¡CARAMBA, CARAMBA!
Las frecuentes referencias a La Caramba en fuentes musicales de su entorno, los escritos y grabados conmemorativos impresos tras su fallecimiento en 1787, documentan el fervor popular de que gozó la artista.
El contenido cómico o sicalíptico de los textos de estas tonadillas –muy cercanos, por cierto, a expresiones de las músicas populares de mayor actualidad— aprovechaba su espontánea picardía para granjearse el aplauso del público, del que se dice que acompañaba a La Caramba, jaleándola por las calles de la capital. Los ritmos apuntillados, los ornamentos graciosos como la apoyatura o el mordente, y los movimientos melódicos ondulantes contribuyen a caracterizar musicalmente el rol de la protagonista, y se combinan con movimientos propios del baile popular que esta debía de integrar en sus actuaciones.
Olvidada durante mucho tiempo, no fue hasta finales del siglo XIX cuando renació el interés por su figura, más motivado por lo extraordinario de su evolución personal que por su contribución artística al género lírico español. La prensa generalista quiso también hacer pedagogía de la conversión cristiana de la cantante. Y así, por ejemplo, el Heraldo de Madrid reseñaba en 1933 su popularidad, »no precisamente porque su arte fuese superior al de sus compañeras, sino porque su gracejo andaluz, su desenvoltura y flamenquismo en el baile y en la escena y, sobre todo, su descoco y su vida licenciosa y de ostentación labráronle una reputación y un aura popular«.
Con su relectura de este repertorio, Forma Antiqva propone un viaje al Madrid de finales del siglo XVIII, testigo de las actuaciones, paseos y gestos de la protagonista del presente trabajo discográfico: María Antonia Vallejo Fernández, La Caramba. Al mismo tiempo, la restitución sonora de este repertorio tiene el mérito de reformularlo a través de la identidad presente, liberándola en nuestro propio tiempo y elevando los sonidos hacia una reflexión sobre la consideración de la mujer artista en una España no tan lejana, así como sobre su contribución en la configuración de nuestro patrimonio musical histórico.
Nieves Pascual León
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Buxtehude : Salvator Mundi
Buxtehude : Salvator Mundi
RICERCAR CONSORT, Philippe Pierlot
www.mirare.frQuatre ans après le superbe « Membra Jesu nostri », le Ricercar Consort se tourne à nouveau vers Buxtehude. Les cantates interprétées dans cet album traitent pour la plupart de la Passion et de la résurrection. Avec les sonorités réconfortantes bien que dramatiques de ces cantates, Buxtehude parvient à détourner le regard de la souffrance humaine pour le guider vers l’aide divine afin de donner aux hommes un avant-goût de l’harmonie et de la perfection célestes.
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Sancta Ovetensis
Sancta Ovetensis
Esplendor en la Catedral de Oviedo
Forma Antiqva
Jone Martínez, soprano
Aarón Zapico, direcciónLa orquesta barroca española Forma Antiqva rescata obras maestras olvidadas llenas de timbre, ritmo y expresión. El director de orquesta y artístico Aarón Zapico abre el tesoro musical de los archivos de la Catedral de Oviedo y presenta al mundo joyas españolas desconocidas del siglo XVIII. Cada obra es una grabación de estreno; se descubren seis piezas vocales de Joaquín Lázaro [1746 – 1786] -estas arias de amor sobre el más alto y divino amor cobran vida gracias a la soprano Jone Martínez- y dos fascinantes piezas instrumentales, así como un sensacional concierto para violín con el solista Jorge Jiménez.
Winter&Winter
Encendida en vivo fuego
Esplendores musicales en la Sancta Ovetensis Joaquín Lázaro [1781-1786]
El viaje vital del maestro Lázaro no fue de los más extensos, pero sus apenas cuarenta años estuvieron llenos de música, desde sus orígenes aragoneses hasta su final en tierras del norte de la Península Ibérica.
Joaquín Lázaro y Rubira nació en Aliaga [Teruel] en 1746, y se formó musicalmente en la basílica zaragozana del Pilar, donde fue infante de coro entre 1755 y 1761. Continuó al servicio de este templo como maestro de capilla, cuando sucedió en el puesto a Cayetano Chavarría en marzo de 1771, y recibió la ordenación sacerdotal en 1772. Pero desde 1773 su salud delicada fue el motivo de varias ausencias y permisos, motivados por la gran carga de trabajo que era para él mantener la disciplina entre los infantes de coro. Un conflicto con el cabildo del Pilar le hizo marcharse en 1778. La razón aducida fue su salud problemática, pero no era la única. Durante varios años, Lázaro sufrió el impago de varios años de sus estipendios por misas, que reclamaba desde 1776: unido a su precaria salud, fue un poderoso motivo para alejarse de la catedral en la que se había formado (1). Lázaro deja su tierra para buscar nuevas perspectivas y se encamina al noroeste, donde desempeñó el magisterio de capilla en la catedral de Mondoñedo [Lugo], sucediendo a Bernardo Francisco San Millán desde diciembre de 1777.
Con las vacantes de los magisterios de capilla de Ávila y de Oviedo, Joaquín Lázaro decide cambiar de destino, y concurre como opositor en ambas catedrales. El 10 de febrero de 1781, y tras el éxito frente a candidatos de la importancia de Juan García de Carrasquedo, Jaume Bálius y Francisco Náger, Lázaro tomaba posesión del magisterio de capilla de la Sancta Ovetensis, sucediendo a Pedro Furió. En los últimos cinco años de su vida, el maestro turolense emprendía un periodo tan breve como espléndido e intenso al frente de la música catedralicia, con una capilla vocal e instrumental de calidad, consolidada por los casi cincuenta años de magisterio de su predecesor Enrique Villaverde [1725-1775]: sin duda, fue el instrumento perfecto para las creaciones de Lázaro, música a la sombra de la Catedral y de su entorno, como lo prueba su abundante producción conservada en el Archivo Capitular.
La salud frágil, la bondad y la generosid<«salir a tomar aires […] adonde más bien le vaya» (3). Sin embargo, la mejoría no se produjo, y el 13 de septiembre de 1786 se reseña en cabildo el fallecimiento del maestro en Mondoñedo diez días antes, con 40 años escasos [ACO, AC Vol. 61, fol. 183rº].
En la capilla musical de la Sancta Ovetensis no fue excepcional la presencia de músicos aragoneses a lo largo de los siglos, y Lázaro es otro hito de ello. Con él había llegado en 1781 el zaragozano Luis Blasco, su discípulo, que hizo de copista de sus obras con una pulcra caligrafía musical. Salmista y contralto, Blasco ayudará a difundir la música de su mentor por catedrales como Astorga, y era persona de su total confianza, hasta el punto de que el cabildo ovetense consideraba que el maestro delegaba en exceso en él, y era favorecido con partes de solista en detrimento de otros cantores: «Adviértase al maestro de capilla que emplee a Saliella y más contraltos en las funciones de capilla y use menos de la voz de su copiante, por ser poco del gusto de los asistentes» [ACO, AC Vol. 61, 4-VII-1783, fol. 49vº].
Podría pensarse que la salud quebradiza del maestro fue un obstáculo para su trabajo. Nada más lejos de la realidad, pues además de atender a sus obligaciones en la catedral, Lázaro formó parte de la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Asturias desde noviembre de 1784, al igual que varios miembros del cabildo y diversos músicos de la capilla, que contribuyeron con sus composiciones a dar solemnidad a los actos públicos de esta corporación; uno de ellos fue el controvertido Luis Blasco, autor del oratorio Oviedo festivo, y su Real Sociedad Económica regocijada [1784] (4).
Lázaro ha dejado una huella significativa en los fondos musicales del Archivo Capitular de Oviedo. Se conservan 93 obras suyas «a papeles» – juegos de particellas en soporte papel –, distribuidas en un total de ocho legajos: uno de ellos contiene composiciones en latín, y los otros siete, recitados, arias, villancicos y un oratorio, con textos en romance. A ello se unen cuatro piezas – Stabat Mater, Pange lingua, Sacris Solemniis, y Verbum Supernum – conservadas en uno de los libros de facistol [Ms. 6], copiado en 1784 por Francisco Villa de Rey. Así, la producción conservada bajo su firma en nuestro Archivo Capitular se acerca al centenar de obras, entre las 86 recogidas en la catalogación de Emilio Casares [1977], las 5 encontradas por Raúl Arias del Valle en los rincones del archivo y el claustro alto [1993], y otras 6 rescatadas por María Sanhuesa Fonseca en 1998. La predilección por la música del maestro turolense hizo que siguiese sonando entre los muros catedralicios a principios del siglo XX, cuando aún se cantaban algunas de sus obras, como el Stabat Mater, Vexilla Regis y Pange Lingua, y también su Tantum ergo y Genitori, en arreglo para 4 voces y órgano del maestro Medardo Carreño [1904–1906]. También se conservan obras de Lázaro en los archivos de las catedrales de Astorga y Mondoñedo, Colegiata de Santa María del Campo [La Coruña], y Abadía de Montserrat.
El programa elegido para esta grabación comprende seis arias de Joaquín Lázaro para tiple, acompañadas de distintas plantillas orquestales, y dos interesantes obras instrumentales, de autoría desconocida. La selección es una mirada puntual al paisaje sonoro catedralicio entre 1781 y 1786, en el apogeo de sus medios musicales, cuando un selecto conjunto de voces e instrumentos llenaba de color el aire del templo.
Las arias para tiple
Con o sin recitado previo, estas arias realzan siempre el texto con las ornamentaciones de la línea vocal en palabras de especial significado. El pictorialismo musical y el lucimiento del solista son dos características señaladas en estas composiciones. Su acompañamiento incluye violines, trompas y continuo, una fórmula habitual en Lázaro, a la que en ocasiones se unen las flautas; también pueden emplearse solamente los violines y el continuo, como en una de las arias del programa.
Cuatro de las arias son de temática navideña. Dios mío, calla, con violines, flautas, trompas y continuo [Leg. 13 A, nº 9 y Leg. 58, nº 2], es un aria da capo dedicada al nacimiento de Jesús. El compositor subraya rítmicamente la palabra «calla», apoyando la sílaba acentuada con una nota con puntillo; en «descansa», utiliza un diseño melódico descendente que alude al reposo, al sueño.
Habitual en esta época, la forma del aria da capo es también la de Noche preciosa, clara y divina, acompañada de violines, flautas, trompas y continuo [Leg. 13 B, nº 19]. Lázaro, el músico de la luz, potencia aquí la expresividad de palabras como «ilumina» o «esplendor», reservándolas a la zona aguda de la línea vocal. En Reparad qué luz clara y peregrina aparece otra denominación; es un recitado y cavatina con violines, flautas, trompas y continuo [Leg. 13 B, nº 27]. Aquí se ve la reutilización de una obra en la capilla catedralicia: el recitado, acompañado por el continuo, tiene un texto original alusivo a la estrella que guió a los Reyes Magos – «Reparad que su luz desaparece / la estrella que a Belén los conducía» –, tachado y sustituido por otro, de sentido diferente, que focaliza la atención en el nacimiento de Jesús. En el aria, se utiliza todo el efectivo instrumental, realzando con progresiones la expresión «me conduce», y se reservan los clímax melódicos para «clara», «soberano» o «fuego».
La inspiración de Lázaro utiliza la imagen de la rosa cubierta de rocío como metáfora de Jesús recién nacido en Del risco se despeña, con violines, trompas y continuo [Leg. 13 A, nº 8-1 y 8-2]. De nuevo, el aria da capo es el vehículo expresivo para una música llena de pictorialismo, como la ornamentación de la melodía en «alegre», o su descenso en «se despeña». Los solistas habituales para esta música de virtuosa factura eran tiples, niños de coro con voces agudas. En los manuscritos se conserva una copia de la parte vocal del aria, donde se indica el nombre de su propietario e intérprete. Esta copia nos indica que tras el fallecimiento de Lázaro el aria siguió interpretándose en la catedral, pues en el manuscrito consta el nombre del tiple Josef María Páez, hijo del maestro de capilla Juan Páez, sucesor de Lázaro de 1786 a 1814.
Si la Navidad era uno de los momentos obligados para que un maestro de capilla desplegase su creatividad como compositor, también debía dar muestras de su talento escribiendo música para las festividades que el cabildo ordenase. En nuestra catedral se celebraba de modo especial a Santa Eulalia, patrona de la diócesis, de la ciudad de Oviedo y de todo el Principado. Por ello abundan en el archivo capitular los himnos, arias y villancicos dedicados a la santa. Las dos arias restantes son una muestra del talento de Lázaro para celebrar a la niña mártir de Mérida. En el aria da capo A Eulalia dichosa, con violines, trompas y continuo [Leg. 13 A, nº 1], el maestro utiliza una línea vocal flexible y galante, con pequeños motivos que se repiten ornamentados. La aparente sobriedad del acompañamiento del aria Encendida en vivo fuego, con violines y continuo [Leg. 13 B, nº 12], no impide el uso de imágenes musicales en la línea vocal, con ascensos y agilidades en «sube al cielo a descansar», para celebrar el triunfo de la santa después de su martirio. Este aria, con pequeños cambios en el texto, podía servir para la festividad del mártir San Pelayo, como refleja el manuscrito.
La música instrumental
Joaquín Lázaro también destacó en la composición de música instrumental, aunque no hayamos conservado nada de ella en el Archivo Capitular, al menos con su firma (5). La mayor parte de la música instrumental del archivo es de autoría desconocida. Es de gran interés la que aquí se incluye, por su carácter y por su función, aunque se desconozca su autor. La bella Música de procesión para violines, oboes, trompas y continuo [Leg. 44, nº 2] evoca una celebración de gran solemnidad, con un acompañamiento expresivo y dramático. El anónimo Concierto en Solo Mayor, para violín solista, violines y continuo [Leg. 44, nº 5] es un ejemplo de aquellos repertorios profanos que también tenían cabida en el templo, en las siestas de las festividades más solemnes. En tres movimientos, el «Allegro non tro[p]po» inicial y el «Allegro con focco [sic]» final siguen la forma del concierto italiano a solo, alternando ritornelli orquestales con solos llenos de virtuosismo, que exploran el lenguaje y dificultades del instrumento solista: rápidas escalas, acordes desplegados, triples cuerdas…; el necesario contraste viene dado por el «Adagio» central, articulado en dos largos solos de carácter cantabile, enmarcados por tres tutti brevísimos.
Desde un estilo galante a un incipiente clasicismo entre los muros de la Sancta Ovetensis, la trayectoria de Lázaro condensó en un breve tiempo su oficio y su capacidad de innovación y experimentación con las músicas que creaba para los efectivos vocales e instrumentales al servicio del templo. Fulgores sonoros, música de luz: la fugacidad de una existencia consumida en la llama de su arte.
(1) Mi gratitud al M. I. Señor D. Isidoro Miguel García, Canónigo Archivero y Bibliotecario de la Basílica del Pilar; los datos proceden del fondo del Archivo de Infantes de la basílica zaragozana. (2) Lázaro legó su música al cabildo de Oviedo, a condición de que no dejase desamparadas económicamente a sus sobrinas Francisca y Joaquina; parece que esta condición no se cumplió del todo [Archivo Capitular de Oviedo, Actas Capitulares –en adelante, abreviado como ACO, AC– Vol. 61, fol. 9rº]. Bourligueux [1971: 685-688] publicó el testamento del maestro como apéndice a su artículo. (3) ACO, AC Vol. 61, fol. 174vº. (4) Sobre Blasco y sus relaciones con la Sociedad Económica, Sanhuesa Fonseca [2009]. (5) En el cuaderno IV de la colección Divertimenti Musicali per Camera, recopilada por Girolamo Sertori para los marqueses de Castelfuerte [manuscrito, Pamplona, 1758-1760] aparece la Tersa Obertura con Violine, Viola, Corni, Oboesi e basso, de Joaquín Lázaro, añadida a la colección después de 1760 [Gembero Ustárroz, 2001: 406-407].
Dra. María Sanhuesa Fonseca,
Universidad de Oviedo -
Romances inciertos, un autre Orlando
Nino Laisné & François Chaignaud, conception artistique
François Chaignaud, voix Jean-Baptiste Henry, bandonéon François Joubert-Caillet, violes de gambe Daniel Zapico, guitare baroque et théorbe Pere Olivé, percussions historiques et traditionnelles
Nino Laisné, direction musicale Charles-Alexandre Englebert, ingénieur du son
Des infinies mutations
Le chorégraphe et chanteur François Chaignaud retrouve le metteur en scène et directeur musical Nino Laisné pour enregistrer en studio les musiques de leur spectacle Romances inciertos avec lequel ils parcourent le monde depuis 2017. Entouré de quatre instrumentistes virtuoses, cet autre Orlando devient jeune fille guerrière, archange voluptueux et gitane mystique et séductrice. Pris dans un mouvement perpétuel de renaissance, il se fait l’écho des mutations de motifs musicaux au fil des siècles.
Une traversée des musiques espagnoles à la confluence des traditions à la fois orale et “savante”, où se côtoient aussi bien un air de zarzuela de José de Nebra, une marche de processions de Semaine Sainte, une complainte séfarade, et l’art ancestral de la copla et du romance.
Crédits
enregistré en août 2020 à l’Arsenal / Cité musicale – Metz (France)
photo de couverture . Didier Olivré
production . Zorongo | Martine Girol
co-production . Mandorle productions | Garance Roggero, Jeanne Lefèvre, Clémentine RougierAlborada éditions © 2022
Nino Laisné et François Chaignaud, sous licence Alborada
ALB002 Fabriqué en Espagne
dépôt légal . mars 2022Romances inciertos: «Eine fantastische Reise durch Spanien» Pizzicato ♪♪♪♪♪«Unter der musikalischen Leitung von Nino Laisné haben der Sänger François Chaignaud (falsettierend und mit normaler Stimme), der Bandoneonist Jean-Baptiste Henry, Daniel Zapico, Gitarre und Theorbe, François Joubert, Viola da gamba, und Pere Olivé, Schlagzeug, ein Programm unter dem Titel Romances inciertos aufgenommen, das auf der choreographierten Show beruht, mit der sie seit 2017 durch die Welt reisen. Zu hören sind u.a. eine Zarzuela-Melodie von José de Nebra, ein Marsch aus den Prozessionen der Karwoche, ein sephardisches Klagelied und spanische Volksmusik, Copla andaluza, sowie Romanzen. Das ist alles abwechslungsreich und wird anspruchsvoll dargeboten. Chaignaud singt sich virtuos und darstellerisch eindringlich durch diese fantastische Vielfalt und die musikalischen Intermezzi bereichern das Ganze mit emphatischer Geste.»
Pizzicato ♪♪♪♪♪
Remy Franck | Junio 2022«Under the musical direction of Nino Laisné, the singer François Chaignaud (falsetto and normal voice), the bandoneonist Jean-Baptiste Henry, Daniel Zapico, guitar and theorbo, François Joubert, viola da gamba, and Pere Olivé, percussion recorded a program titled Romances inciertos, based on the choreographed show they have been traveling the world with since 2017. You can hear, among others, a zarzuela melody by José de Nebra, a march from the processions of Holy Week, a Sephardic lament and Spanish folk music, Copla andaluza, as well as romances. It’s all varied and ambitiously performed. Chaignaud sings his way through this fantastic variety with virtuosity and acting forcefulness, and the musical intermezzi enrich the whole with emphatic gesture.»
Pizzicato ♪♪♪♪♪
Remy Franck | Junio 2022 -
Beethoven: Irish Songs
Beethoven: Irish Songs
RICERCAR CONSORT, Philippe Pierlot
Maria Keohane, soprano
www.mirare.fr«Sweet Erin, lov’d Erin, the pride of my song; still brave be the sons, and still fair be the daughters«, sings Irish-Swedish soprano Maria Keohane in one of the Irish Songs set to music by Beethoven and largely arranged by Philippe Pierlot, who also conducts his Ricercar ensemble, while also singing a few of the melodies himself.
Not a lot of people know that Beethoven was an excellent arranger of popular songs. This production, which is very different from the rest of his work, includes one hundred and seventy-nine arrangements of Scottish, Irish and Welsh songs made at the request of a Scottish publisher who wanted to bring together the most beautiful British melodies. Subsequently, Beethoven expanded this work with melodies from all over the continent. Originally conceived with piano accompaniment with the additions from violin and cello, they are presented here with instruments closer to the folk traditions in which they originated.
Beethoven obviously went much further than merely arranging harmonies, and wrote preludes and postludes of his own, which matched the spirit of the melody at hand. In this refreshing album, Beethoven/Pierlot arrangements are interspersed with traditional melodies found in other collections. This diversity of approach to this folk music is judiciously reproduced by Maria Keohane and the musicians who surround her, giving this ancestral music a tone of poignant nostalgia. © François Hudry/Qobuz
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AU MONDE · Daniel Zapico, théorbe
AU MONDE
Daniel Zapico, théorbe -
Baset – Symphonies. Madrid, 1753
Baset
Symphonies. Madrid, 1753
Forma Antiqva
Aarón Zapico, direcciónMostrar la riqueza y exuberancia de la música orquestal española del siglo XVIII de una forma plena y valiente. Este es el honesto objetivo del programa con la integral de sinfonías del compositor y violinista de la orquesta del Coliseo del Buen Retiro de Madrid, Vicente Baset.
Recuperadas hace algunos años por Forma Antiqva, han sido interpretadas en concierto desde su versión más camerística a la sinfónica, contrastando su calidad y trascendencia al lado de obras de compositores más reconocidos como José de Nebra o el mismísimo Joseph Haydn.
La concesión de la prestigiosa Beca Leonardo por la Fundación BBVA a este proyecto de grabación e interpretación de su obra orquestal ha supuesto el empuje definitivo para colocar esta música, y por extensión la de sus contemporáneos, en el lugar de la Historia que merecen.Winter&Winter
Con valentía
Uno se tropieza con la indicación de “Allegro con Valentía” al final de este legajo de sinfonías, justo en la cabecera de la décima; una pieza rítmica, alegre y cantarina. Como sus compañeras, antes y después, una exhalación de afectos. Es la primera vez y hasta el momento única que un compositor demanda “valentía” de manera tan clara y directa. Me cautiva esta sincera petición y la imaginación hace el resto. Lo asumo como un mensaje personal que viaja en el tiempo y que pone en íntimo contacto a compositor e intérprete.
Pienso que es así, efectivamente, como debemos enfrentarnos a sus sinfonías y, en definitiva, a la música española del siglo XVIII: con valentía.
A finales de 2015 leo con especial fruición una cantidad considerable de música barroca española, en concreto, para conjunto de cuerda. Dirijo el estreno por Forma Antiqva de una trilogía de Tonadillas de Blas de Laserna (1751 - 1816) en la Fundación Juan March de Madrid y preciso de alguna que otra pieza que cumpla las funciones de obertura e interludio. Es así como llegan a mis manos estas 11 sinfonías de Vicente Baset, recuperadas y editadas por Ars Hispana, sempiternos difusores de nuestro patrimonio musical. La partitura, como de costumbre, no arroja mucha información de manera inmediata. Pero la experiencia, cuando se trata de música española de este periodo, me ha enseñado que esta austeridad es aparente y que tan solo es necesario rascar un poco para que aparezcan múltiples colores. Las toco en el clave, las canturreo y las imagino de una y mil formas. Saben a Nebra y Domenico Scarlatti pero también a Telemann o Vivaldi. Cumplen con creces mi propósito de música incidental y suscitan interés entre quienes las oyen y las tocan. Baset vuelve a sonar por primera vez y yo pienso que tenemos que grabarlas, que la gente tiene que descubrir a este compositor de música fascinante. En enero de 2016 comienza un largo camino que me llevará a tocar y dirigir este repertorio de varias maneras: desde el mínimo de efectivos hasta una plantilla sinfónica, del ciclo especializado a la temporada de abono. Pongo a Baset al lado de compositores como Nebra, Blas de Laserna o el mismísimo Haydn y resiste en cualquier contexto.
Encajonada en el centro de la ciudad de Valencia, a pocos metros de su catedral, se encuentra la Iglesia de San Esteban. Allí, un 19 de abril de 1719, Don Pedro Galcerán bautizaba a Vicente Baset, el tercer hijo de un labrador de Alboraya llamado Tomás Baset y de su esposa Juana Aixa. Destinado a seguir los pasos de su padre en el trabajo de campo, la música irrumpe de manera casual en su día a día. Cuando apenas alcanza los diez años, su hermana se casa con Pedro Antoneli, violinista de profesión y, muy probablemente, el primer maestro musical del joven Vicente. No es descabellado pensar en la fascinación que pudo ejercer en un niño ese violín en manos diestras. El reciente descubrimiento del testamento de Vicente Baset corrobora la estrecha relación entre cuñados, pues el destinatario del mejor de sus violines (un fantástico José Contreras) es la propia familia Antoneli. La perseverancia en el estudio y unas dotes innegables para la música, unidas a la inestimable ayuda de Antoneli, posibilitan que veinte años más tarde nos encontremos con el nombre de Baset en el listado de los dieciséis violines de la Orquesta del Real Coliseo del Buen Retiro. Sin duda, la mejor orquesta de España en ese tiempo y un hervidero de creatividad e influencia magníficas para un joven violinista ávido de nuevas experiencias en la capital del reino. En su sección de cuerda se encontraban algunos de los violinistas más activos de la época que atesoraban una experiencia ingente en capillas y teatros españoles. A pesar de las limitaciones propias de su tiempo, el trasvase de información, estilos, modas y técnicas entre los músicos es inconmensurable.
El tiempo de Baset en Madrid es el tiempo del crecimiento y desarrollo de sus coliseos municipales. Si bien en la primera mitad del siglo XVIII los teatros contrataban de manera puntual a aquellos músicos necesarios para el acompañamiento correspondiente, la mayor exigencia asociada a esta evolución marca la consideración de la orquesta como un elemento fijo en la temporada de las compañías teatrales. Es, en definitiva, la época de la profesionalización y regularización de esos músicos itinerantes a las órdenes de teatreros como Josef de Parra, Nicolás de la Calle o María Hidalgo, La Viuda. El atractivo de esta nueva época, más estable y segura, pudo provocar que, a finales de 1750, Baset se incorporase a la Compañía de María Hidalgo como primer violín y, muy probablemente, finalizase allí su carrera. De nuevo su testamento arroja una atractiva aunque tenue luz sobre la vida de Vicente Baset, pues le deja en herencia un retrato suyo y, prácticamente, cualquier baratija interesante que se encontrase en su casa. Parece que la relación con la resoluta María Hidalgo pudo haber sido quizá más íntima que la meramente contractual.
La huella del teatro, del dramma, es profunda en la música de Vicente Baset. Absorbe, por un lado, el buen gusto del programa operístico diseñado por Farinelli para el Buen Retiro y, por otro, la experiencia en una compañía como la de María Hidalgo, sin el boato de la Corte, pero con un contacto constante con el pulso de la calle.
Así, y a pesar de una estructura formal invariable en la alternancia de movimientos rápidos y lentos, la música de Baset fluye en un discurso profundamente retórico y teatral. A la innegable habilidad de condensar en pocos compases una sólida idea perfectamente desarrollada rítmica y melódicamente hay que añadir una capacidad perenne para el giro inesperado. La escritura de estas sinfonías demuestra un exhaustivo conocimiento no solo del medio (lo que funciona con respecto a recursos técnicos e idiomáticos de la orquesta) sino también de los diferentes estilos fruto de su vasta experiencia. El paisaje se mueve entre el minué popular (pistas 6, 9 o 20) y el movimiento más italiano y agitado en sus golpes de arco (pistas 12, 23 o 26). Entre la hipnótica pastoral (29 o 15) y el adagio más doliente (5, 19 o 28) o la obertura descaradamente vivaldiana (1, 7 o 21), pasando por un marcado estilo centroeuropeo (2, 18 o 22). Música, en definitiva, para todos los gustos.
Las once sinfonías que se presentan en este disco forman parte de un conjunto de obras escrito en 1753 y conservado en la biblioteca musical del barón Carl Leuhusen, secretario del Embajador de Suecia en España de 1752 a 1755. De ahí su conexión con Baset, a quien seguramente conoció en algún sarao madrileño y le encargaría este corpus musical para enriquecer su librería. El gusto musical de Leuhusen, hombre de amplios horizontes culturales, sirve de fiel radiografía de lo que se podía escuchar en Madrid a comienzos de 1750. Nueve de las once obras pertenecen actualmente a la Biblioteca Musical de Estocolmo y dos a la Biblioteca Nacional de España. Sin embargo, el puzle no está completo: una de las sinfonías, posiblemente la primera de ellas al ser la única fechada en su frontispicio, se encuentra en paradero desconocido. Por razones que no han trascendido, no fue posible su adquisición por la Biblioteca Nacional de España en su momento. Quiero pensar que es cuestión de tiempo el que aparezca entre los lotes de algún anticuario musical, tal y como lo han hecho las dos sinfonías que sí pudo adquirir recientemente nuestra Biblioteca. Al igual que la práctica totalidad de la música de su periodo, las sinfonías de Vicente Baset precisan de la implicación activa del intérprete. La partitura, a pesar de las puntuales y escasas indicaciones dinámicas de forte o piano, solo o tutti o los correspondientes términos de tempo y afecto al comienzo de cada movimiento, está, en cierta manera, desnuda. Es necesario que el intérprete tome decisiones, que se involucre en la creación de esta obra. Los compositores de entonces, Baset incluido, confían en la formación de los músicos y llaman con insistencia a la imaginación y a la fantasía. Los códigos han cambiado pero la naturaleza de nuestras emociones es la misma. Por ello es necesario el concurso del intérprete: moderno traductor de dichas emociones a través de una interpretación históricamente informada. Hay un añadido de oboes y fagot en las sinfonías 2, 4 y 8, pues estos instrumentos formaban parte habitualmente de orquestas y capillas y su utilización a la francesa era parte de la moda imperante. Una percusión se suma a los minués de la 2, 4 y 12 resaltando su esencia folclórica. El primer violín sorprende de cuando en cuando con alguna cadencia libre en los calderones ya indicados porque ¿acaso no haría alarde el propio Baset de sus habilidades? Copio intenciones del propio compositor y aparecen nuevos soli y tutti que otorgan homogeneidad al conjunto; se exprimen articulaciones en forma de suspiros, frases a grandes trazos y notas cortas e hirientes; coloreo la partitura con dinámicas aquí y allá, imaginando un texto ausente; el acompañamiento, rico y contundente, se alterna para dibujar el afecto preciso en cada momento, incluso arrogándose ellos mismos el poder de la melodía en el Andante de la número 11. Hay reglas y contexto, teoría y práctica; pero también un profundo sentido teatral y una honestidad sincera en la misión que desde Forma Antiqva nos hemos encomendado para la recuperación de nuestro patrimonio musical. Hay, en definitiva, valentía.
Nuestro más sincero agradecimiento a la Fundación BBVA por la inestimable y generosa aportación en forma de Beca a la consecución de este proyecto y por su apoyo continuado a las Artes; a Begoña Lolo y Ramón Sobrino por el privilegio de su amistad e impagable respaldo. A Raúl Angulo y Toni Pons por su encomiable trabajo al frente de Ars Hispana, recuperando y dando a conocer nuestro patrimonio musical; y por el enriquecedor y estrecho trabajo que tenemos el placer de desarrollar de manera continua con ellos. A Winter & Winter por confiar siempre en nuestras ideas, por arriesgadas que puedan parecer.
Our most sincere thanks to the BBVA Foundation for the invaluable and generous contribution in the form of the Leonardo Grant, with which we have achieved this project and for their continued support of the Arts. To Begoña Lolo and Ramón Sobrino for the privilege of their friendship and invaluable support. To Raúl Angulo and Toni Pons for their commendable work at the helm of Ars Hispana, recovering and showing our musical heritage. To Winter & Winter for always trusting our ideas, however risky they may seem.
Aarón Zapico
Les mystérieuses symphonies de Vicente Baset«Les musiques s’avèrent vivantes et dûment colorées par une multitude de nuances dynamiques, toujours comme improvisées. Dans ce tourbillon de spontanéité, diverses ambiances se reflètent, oscillant entre joie et nostalgie, entre mutinerie et humour… On est subjugué par la subtilité et le raffinement des dialogues se faisant parfois entendre dans les soli, tout comme par le charme et l’élégance de certaines interventions instrumentales, notamment celle du théorbe dans Allegro assay Amoroso, le premier mouvement de la Symphonie n° 6 (plage n° 13 sur le disque)»
ResMusica
Maciej Chiżyński | Noviembre 2020 -
La Ritirata – Antonio Caldara & the Cello
Antonio Caldara & the Cello
Selected instrumental and vocal worksEugenia Boix, soprano
Luciana Mancini, mezzoLA RITIRATA
Josetxu Obregón, solo cello & directionFecha: mayo 2020
Referencia: Glossa Music GCD 923108
www.laritirata.comNotas (ESP)
Una nueva grabación de Josetxu Obregón y su conjunto La Ritirata nos ofrece una selección de obras compuestas por Antonio Caldara y en las que el violonchelo tiene un papel protagonista. Durante su juventud en Venecia (en los años 1680/1690), Caldara recibió importantes elogios por su manera de tocar el chelo, y su gran comprensión del instrumento y sus posibilidades lo acompañaron a lo largo de una carrera que lo vio inmerso también en las ricas culturas musicales de Mantua y Roma antes de convertirse en un valioso miembro de la Hofkapelle de Viena; trabajó allí durante los últimos veinte años de su vida, contribuyendo a las glorias del barroco austro-italiano en la Corte Imperial del altamente musical Carlos VI (a quien Caldara también había servido en Barcelona). En este álbum, el violonchelo, que va de lo lírico a lo virtuoso, es el solista en varias piezas instrumentales (un concierto y una sinfonía, aparte de sonatas), pero esta selección se enriquece aún más con la presencia de dos cantantes, la soprano Eugenia Boix y la mezzo Luciana Mancini: una cantata, Porgete per pietà, interpretada por la primera, y tres arias por la segunda. Mancini canta «Pompe inutili» (del oratorio Maddalena ai piedi di Cristo), cuyas deslumbrantes líneas vocales coinciden con la parte del violonchelo obbligato. Josetxu Obregón había ya realizado varias grabaciones anteriores en Glossa que exploran la historia temprana del violonchelo y, en compañía de La Ritirata, también había contribuido a la floreciente revalorización de Caldara con su programa The Cervantes Operas. Ahora llega un lanzamiento vivo y variado para conmemorar los 350 años del nacimiento del compositor.
Notes (ENG)
In a lively and enterprising new disc devoted to the music of Antonio Caldara, cellist Josetxu Obregón leads his ensemble La Ritirata in instrumental and vocal works. In his youth in Venice (in the 1680s/1690s), Caldara drew significant praise for his own cello playing, and his understanding of the instrument and its possibilities stayed with him throughout a career which saw him immersed also in the rich musical cultures of Mantua and Rome before he became a valued member of the Hofkapelle in Vienna; he worked there for the last twenty years of his life, contributing to the glories of the Austro-Italian Baroque at the Imperial Court of the highly musical Charles VI (whom Caldara had also served in Barcelona). Here, the cello, ranging from the lyrical to the virtuosic, is called upon as a soloist in concerto, sinfonia and sonata pieces, but this recording is enriched further by the presence of two singers, soprano Eugenia Boix and mezzo Luciana Mancini – a cantata, Porgete per pietà, from the former and three arias from the latter. Mancini sings “Pompe inutili” (from the oratorio Maddalena ai piedi di Cristo), whose ravishing vocal lines are matched by the obbligato cello part. Josetxu Obregón has made a number of previous Glossa recordings exploring the early history of the cello, and in the company of La Ritirata has also contributed to the burgeoning reassessment of this major composing figure with their Caldara The Cervantes Operas programme. Now comes a vivid and varied release to commemorate 350 years since the birth of Antonio Caldara!
Notes (FRA)
Dans un nouveau disque vivant et audacieux consacré à la musique d’Antonio Caldara, le violoncelliste Josetxu Obregón dirige son ensemble La Ritirata dans des oeuvres instrumentales et vocales. Dans sa jeunesse à Venise (dans les années 1680/1690), Caldara s’est attiré des éloges pour son propre jeu du violoncelle, et sa compréhension de l’instrument et de ses possibilités lui est restée fidèle tout au long d’une carrière qui l’a vu s’immerger également dans les riches cultures musicales de Mantoue et de Rome avant de devenir un membre apprécié de la Hofkapelle de Vienne ; il y a travaillé pendant les vingt dernières années de sa vie, contribuant aux gloires du baroque austro-italien à la cour impériale du très musical Charles VI (que Caldara avait également servi à Barcelone). Ici, le violoncelle, allant du lyrique au virtuose, est sollicité comme soliste dans des pièces de concerto, de sinfonia et de sonate, mais cet enregistrement est encore enrichi par la présence de deux chanteuses, la soprano Eugenia Boix et la mezzo Luciana Mancini – une cantate, Porgete per pietà, de la première et trois arias de la seconde. Mancini chante « Pompe inutile » (de l’oratorio Maddalena ai piedi di Cristo), dont les ravissantes lignes vocales sont complétées par la partie de violoncelle obbligato. Josetxu Obregón a réalisé plusieurs enregistrements de Glossa pour explorer les débuts du violoncelle et, en compagnie de La Ritirata, il a également contribué à la réévaluation de cette figure majeure de la composition avec le programme Caldara The Cervantes Operas. Voici maintenant une sortie vivante et variée pour commémorer les 350 ans de la naissance d’Antonio Caldara !
Notizen (DEU)
In einer lebendigen und unternehmungslustigen neuen CD, die der Musik von Antonio Caldara gewidmet ist, leitet der Cellist Josetxu Obregón sein Ensemble La Ritirata in Instrumental- und Vokalwerken. In seiner Jugend in Venedig (in den 1680er/1690er Jahren) erntete Caldara viel Lob für sein eigenes Cellospiel, und sein Verständnis für das Instrument und seine Möglichkeiten blieb ihm während einer Karriere erhalten, die ihn auch in die reiche musikalische Kultur Mantuas und Roms eintauchen ließ, bevor er ein geschätztes Mitglied der Wiener Hofkapelle wurde; dort arbeitete er die letzten zwanzig Jahre seines Lebens und trug zum Ruhm des österreichisch-italienischen Barock am kaiserlichen Hof des hochmusikalischen Karls VI. bei. Hier wird das Violoncello, das von lyrisch bis virtuos reicht, als Solist in Konzert-, Sinfonie- und Sonatenstücken eingesetzt, aber diese Aufnahme wird noch durch die Anwesenheit zweier Sängerinnen, der Sopranistin Eugenia Boix und der Mezzosängerin Luciana Mancini, bereichert – eine Kantate, Porgete per pietà, mit Boix und drei Arien mit Mancini. Letztere singt »Pompe inutili« (aus dem Oratorium Maddalena ai piedi di Cristo), dessen hinreißende Gesangslinien mit dem obligaten Cellopart übereinstimmen. Josetxu Obregón hat bereits mehrere Glossa- Einspielungen zur Frühgeschichte des Cellos gemacht und mit La Ritirata mit dem Programm The Cervantes Operas von Antonio Caldara zur Neubewertung dieser bedeutenden Komponistenpersönlichkeit beigetragen. Jetzt kommt eine lebhafte und abwechslungsreiche Veröffentlichung zum Gedenken an die 350 Jahre seit der Geburt von Caldara!
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The Filippo Dalla Casa Collection
The Filippo Dalla Casa Collection
Pablo Zapico, archlute
Daniel Zapico. theorbo
Winter&Winter 910 258-2
Pablo y Daniel Zapico brillan en Mare Musicum con un adiós inolvidable a la música de archilaúdFaltaba casi una hora para que las puertas del Castillo de Santa Ana de Roquetas se abrieran al público, para dar paso al segundo concierto de la XI edición del Festival de Música Antigua Mare Musicum, y la gran aglomeración de gente que aguardaba en la plaza del complejo monumental ya indicaba un éxito rotundo de afluencia, llevando la línea de espera más allá de las inmediaciones del edificio.
Mare Musicum, en su segundo recital, hizo una apuesta que, tanto por el formato del concierto a dúo, como por las características de un repertorio desconocido para el público, podría contener un factor de riesgo. Sin embargo, la presencia de los hermanos Daniel (tiorba) y Pablo Zapico (archilaúd) sobre el escenario, revela una jugada maestra, cuyas combinaciones siempre serían ganadoras de aplausos y vítores.
Los dos intérpretes ocuparon sus escaños para ofrecer al público de Mare Musicum, una joya arqueológica de la cuerda pulsada: el repertorio recogido por los músicos aficionados Antonino Reggio (1725-1780) y Filippo Dalla Casa (1737-1811), quienes por el gozo de poder tocar la música que les gustaba transcribieron melodías de otros compositores, conformado así las últimas fuentes conocidas de música para archilaúd y cuyo paradero ha permanecido oculto durante tres siglos. Con estos mimbres, Pablo Zapico y Daniel Zapico presentaron en el festival de Roquetas de Mar un programa que lleva por título Sonatine Private. Las últimas sonatas para archilaúd y bajo continuo, el cual interpretaron con la confianza y precisión que sólo se consigue cuando se lleva toda una vida disfrutando de tocar juntos.
La velada tuvo un carácter especial que destilaba, al mismo tiempo una despedida y una bienvenida, en base a la música interpretada y al instrumento que la tañía. Las melodías recogidas por Dalla Casa y Reggio, escogidas por Daniel y Pablo Zapico para el festival, abandonaban el estilo barroco y vislumbraban el camino para entrar en el Clasicismo, con melodías y armonías más simples y amables, que fueron gratamente recibidas por el público que abarrotaba la sala, y que no pudo contener las ansias de aplaudir a la conclusión de cada movimiento. Asimismo, la época en la que se recogió este repertorio supone el estertor del archilaúd, el cual acabaría desapareciendo con la llegada del siglo XVIII.
El ejercicio de investigación realizado por los dos músicos asturianos, los llevó a conclusión de que algunas de las obras transcritas por Filippo dalla Casa fueron compuestas para un instrumento de tecla y adaptadas al archilaúd, lo cual su interpretación podría necesitar de un componente como la tiorba para ejecutar el bajo continúo para una reconstrucción total del repertorio. Con maestría Daniel y Pablo Zapico llevaron esta idea a Mare Musicum. Empapados de estilo y recursos ornamentales el recital fue un gran cuadro repleto de color donde las voces intermedias ganaban textura y complejidad al contraponerlas con las voces agudas del archilaúd y las graves del bajo continuo, que en manos de Daniel Zapico se enriquecían con las líneas melódicas improvisadas por el tiorbista.
El concierto tuvo momentos exquisitos llenos de música delicada de carácter vivaz y divertido, como la ingenuidad de un infante que despierta al mundo, la cual entretiene y agrada. Al mismo tiempo, un sonido maduro también se vislumbró en el escenario del Castillo de Santa Ana con las melodías interpretadas a tiorba sola, como fue Larghetto /Minué de Antonino Reggio, cuya gravedad podía evocar un adiós reflexivo ante el siglo que se agotaba y lo que estaría por llegar. Momentos estos muy aplaudidos por el público que reconocía por qué Daniel Zapico es uno de los intérpretes de cuerda pulsada más reconocidos del país.
Agradecidos por el trato recibido por el público, los hermanos Zapico cerraron su paso por Mare Musicum con un magnífico bis, muy aplaudido.
Diario de Almería
Redacción | julio 2023il Fronimo, rivista di chitarra«Bellissima incisione dei fratelli Pablo e Daniele Zapico. L’equilibrio tra i due strumenti è talmente perfetto da rendere difficile capire quale dei due esegua la parte principale e quale realizzi il basso continuo: il dialogo dinamico e agogico tra i due strumenti è sempre coeso e senza fratture. Dando ragione all’autore, il risultato è quello di udire una sorta di cembalo, ma con un suono dolce ed estremamente espressivo nelle dinamiche, che racchiude in sé le possibilità del fortepiano».
«La realizzazione dei ritornelli ripropone la giusta libertà di im- provvisazione, di diminuzioni e di inserimento di abbellimenti: tutto questo fa sì che la pagina ripetuta sembri nuova invece di essere una riproposizione testuale».
«Tutto questo disco è, infine, un’operazione culturale di notevole spessore perché implica un approfondimento di conoscenze non solo sull’autore, ma su un periodo musicale, sugli strumenti e il loro uso: un contesto che, in campo liutistico, trent’anni fa era quasi ignoto e ancora oggi è poco diffuso e frequentato».Il Fronimo
Georgio Ferraris | Enero 2021The Whole Note: The Filippo Dalla Casa Collection«Full credit to Pablo and Daniel Zapico for playing 17 pieces from Dalla Casa’s manuscript plus an anonymous sinfonia. Their enthusiasm and skill show themselves in the very first Sonata, which has come down to us anonymously.
This CD breaks down misconceptions. First, that the theorbo and archlute died out earlier than they did with the rise of the harpsichord. Secondly, that they were doomed to monotonous continuo parts. This CD proves otherwise.»
The Whole Note
Michael Schwartz | Noviembre 2020American Music Guide, US«Please don’t be deterred from getting this because of the weird cover art: two young men (depicted twice each) in ghoulish blue and red lighting. The music is unfamiliar, relaxed, and charming. The tunes and the contrapuntal dialog make easy sense. Both the archlute and theorbo have good bass and clearly-projecting treble. I’ve kept replaying this album when it ends. The pieces come from a manuscript collection by Filippo Dalla Casa (1737-c1811), who was an amateur archlutenist and a professional painter. As the booklet notes say, this is a compilation of music he enjoyed listening to and performing, and the last catalogued source of music for archlute&theobo. Almost everything here is credited to unknown composer, which could be as many as 11 different people. The two pieces with known composers are a three-movement Trio by Lodovico Fontanelli (c1682- 1748) and a three-movement Concerto by Giuseppi Vaccari (dates unknown). All of these pieces are played as duos for both players, except that Daniel Zapico plays two solos, and his twin brother Pablo plays one. Most of the pieces really are solos, but these performers have elaborated them with their own arrangements. These two excellent musicians are from Asturias, where the government gave them a grant to support this recording. Some of their ensembles include their older brother, the conductor and harpsichordist Aaron Zapico.»
American Music Guide, US
Bradley Lehman | Agosto 2020Reseña discográfica: «The Filippo Dalla Casa Collection»«Mientras Pablo interpreta el pentagrama de arriba en el archilaúd, su hermano Daniel ejecuta el pentagrama de abajo no solo leyendo el bajo, sino realizándolo como Bajo Continuo. Como producto de esto, la textura sonora es riquísima y sorprendente, consiguiendo colores y armonías que son una delicia para quien escucha. De esta manera se puede conseguir la rica textura armónica del clave, sin limitaciones técnicas.»
«Este CD es excelente. Virtuoso, musical, fluido y muy bien interpretado, con la calidad a la que nos tienen acostumbrados en sus trabajos anteriores. En mi humilde opinión, los hermanos Zapico le dan vida y le hacen justicia a la música del manuscrito de Dalla Casa. Música casi desconocida para los laudistas modernos y para los melómanos, que sin duda merece una difusión de la que lamentablemente carece hoy en día. Es realmente una delicia para escuchar. Muy recomendable.»AALGA
Isidoro Roitman | Agosto 2020Opus Klassiek CD-recensie ‘The Filippo Dalla Casa Collection’«De beide broers Zapico, Pablo en Daniel, gaan met dit album feitelijk terug naar dat verre verleden, toen het nog zeer gebruikelijk was om in familieverband met elkaar te musiceren. Daarmee hebben ze niet alleen Filippo Dalla Casa postuum grote eer bewezen, maar bieden ze ook de muziekliefhebber van vandaag een riant uitzicht op muziek die op grond van haar bijzondere kwaliteiten zeker aan deze herontdekking toe is en al helemaal in superieure uitvoeringen zoals deze. U wacht dus een ware ontdekkingstocht dankzij dit belangwekkend album dat zowel brede belangstelling als waardering verdient. De opname is eveneens een meesterwerkje: beide musici staan echt bij u in de kamer.»
Opus Klassiek
Aart van der Wal | Julio 2020Melómano de Oro«El último trabajo de los hermanos Zapico destaca por su originalidad.»
«Los dos instrumentos que en esta grabación aparecen, archilaúd y tiorba, logran una textura de lujo en cuanto a tímbrica y posibilidades técnicas que permite ir incluso más allá del clave.»
«Esta grabación tiene un doble interés puesto que la colección ha tenido una vida oculta hasta tiempos recientes, en los que ha salido a la luz. Pronto estará disponible en formato digital.
Tanto Pablo como Daniel son excelentes músicos. Llevan toda una vida tocando juntos, lo que aporta una compenetración especial que puede apreciarse tanto en la interpretación como en un sonido característico y único.»Melómano
Enrique Pastor Morales | Junio 2020El arte de la música en familia«Una grabación impecable de una música tan inédita como fabulosa por parte de los hermanos Zapico.
En el s. XVIII la práctica de compartir en familia la música era común, los intérpretes han querido encontrar un analogía, desde luego la han encontrado. El resultado una selección de música exquisita, refinada, con un ligero aroma al clasicismo incipiente, de una calidad más que notable; lo cual hace que tenga más valor dicha recuperación, pues de poco serviría grabar una música por el hecho de ser inédita. Aunque en este aspecto hay que añadir que no es la primera vez que se intenta redescubrir y llevar al disco las piezas de la colección del pintor. Este trabajo es un homenaje al laúd, instrumento que poco después desaparecería pero que nos regala páginas tan bellas como la presente.»Docenotas
Pedro Pablo Cámara | Mayo 2020Revista Ritmo«Deliciosa grabación de Pablo y Daniel Zapico al archilaúd y a la tiorba, reivindicando la figura de Filipo Dalla Casa, músico aficionado del archilaúd, quien recogió en un manuscrito fechado en 1760 sus piezas favoritas para tañerlas él mismo. Gracias a esta fuente, la más tardía del archilaúd en decadencia en esa época, han sobrevivido unas preciosas composiciones ideales para pasar una placentera velada hogareña.
Con una toma de sonido excepcional, los dos hermanos nos deleitan con sonatas, arias, tríos o sinfonías de una belleza melódica y armónica que hacen de este CD una pequeña joya. Podemos destacar la Sinfonía è solo di arciliuto, anónima, de estilo vivaldiano (primera grabación mundial) en donde los dos intérpretes logran una conjunción perfecta de tempo, expresión y articulación, como si de un solo instrumento de tecla se tratase, así el archilaúd sería la mano izquierda y la tiorba, la izquierda.
El Concerto à mandolino, è basso del arcileuto, atribuido a Giuseppe Vaccari, resulta espectacular, dado el tratamiento que hace Daniel Zapico en la elaboración del bajo continuo, a la vez que Pablo Zapico consigue un fantástico fraseo en sus melodías y arpegiados. Hay que alabar durante todo el registro, además de la absoluta complicidad entre ambos hermanos, la profundidad de los poderosos graves de Daniel Zapico en la tiorba, así como el bellísimo sonido que Pablo Zapico consigue en el registro medio del archilaúd. Háganse con un ejemplar.»
Ritmo
Simón Andueza | Mayo 2020Le Jouer de Luth«À l’écoute, la plupart des pièces se présentent sous la forme d’un dessus mélodique ou en arpèges joué à l’archiluth, accompagné d’un continuo au théorbe en accords, arpèges et campanelas, assurant parfois une basse très concertante. Le langage est brillant, contrasté, chantant, plein de marches harmoniques et de modulations surprenantes… Le Concerto (de Giusepe Vaccari ?) était prévu pour mandoline et archiluth, mais cette version pour archiluth et théorbe marche très bien, et offre peut-être plus d’ampleur et de résonnance, surtout pour le mouvement central.
De très bons moments : les surprises harmoniques de l’Allegro anonyme en fa majeur, le tendre et nuancé Aria del Martelli de Tommaso Martelli, le Largo de la Sinfonia a solo di arciliuto et sa belle cadence, le Concerto (surtout l’Andante) de Vaccari, les solos de théorbe et d’archiluth qui introduisent un autre langage, plus transparent, plus libre, surtout le Grave en do mineur pour archiluth seul…
On notera enfin la présence d’une pièce en premier enregistrement mondial : la Sinfonia à Soli di Arciliuto (GB-Lam MS799 de la Collection de Robert Spencer).
Dans ce Cd, les frères Zapico nous offrent une interprétation claire, brillante, chantante pour les mouvements vifs, et de beaux phrasés posés et nuancés pour les mouvements lents.
Un Cd très agréable qui nous fait découvrir un répertoire original et peu connu !»
Le Jouer de Luth | Mayo 2020
The Filippo Dalla Casa Collection / Scherzo«No es la primera vez que alguien repara en Dalla Casa: en 2010 y 2014, el laudista Hideki Yamaya publicó sendos CD en el sello Mediolanum con piezas de este manuscrito (en el primero, tocando la mandolina y haciéndose acompañar por el laudista John Schneiderman). Sin embargo, los resultados del nipón, sin ser para nada malos, están a sideral distancia de los de los hermanos Zapico, que logran sacarle a estas obras (varias son arreglos realizados por ellos) un brillo inusitado y crear una hora de música deleitabilísima.»
Scherzo
Eduardo Torrico | Mayo 2020Colección Zapico«Una interpretación que parece limpiar un cuadro de la época.»
«Manteniendo la línea melódica clara y virtuosa con un bajo redondo que suena perfectamente empastado, solo los gemelos parece que pueden sentir lo mismo.»
«[Daniel Zapico] El magisterio del instrumento con técnica impecable y la musicalidad habitual que le ha llevado a actuar con muchas y excelentes formaciones.»
«La necesidad de repetir toda la escucha, incluso jugando con la reproducción aleatoria porque todo el disco mantiene una unidad estilística que ‘los pequeños’ Zapico han plasmado a la perfección en este disco.»Pablo Álvarez | Marzo 2020
Duo Zapico mit der Sammlung Filippo della Casa«Die Brüder Daniel and Pablo Zapico spielen auf der Theorbe resp. der Erzlaute Werke aus der Filippo della Casa-Kollektion, Stücke von anonymen Komponisten sowie von Ludovico Fontanelli (1682-1748) und Giuseppe Vacari (?). Der Präsentation zufolge sind es die letzten Kompositionen für die Laute im Wandel vom Barock zur Epoche der Klassik. Obschon die meisten Komponisten unbekannt und die beiden genannten kaum bekannt sind, heißt die Sammlung des Malers und Musikers Filippo Dalla Casa (1737-1811) ‘Suonate di Celebri Auttori’. Das Duo Zapico wird einmal mehr seinem Ruf gerecht und präsentiert exquisite Interpretationen, technisch brillant, dazu aber auch sehr eloquent. Ob solo oder im kommunikativen Dialog, die beiden Brüder spielen mit großer Ausdruckskraft und können so die Aufmerksamkeit des Zuhörers eine Stunde lang aufrechterhalten». (Winter & Winter 910258-2) – ♪♪♪♪♪
«Los hermanos Daniel y Pablo Zapico interpretan a la tiorba y archilaúd respectivamente obras de la colección de Filippo della Casa, formada por piezas tanto de compositores anónimos como de Ludovico Fontanelli (1682-1748) y Giuseppe Vacari (?). La presentación incluye algunas de las últimas composiciones para laúd de la transición entre el Barroco y el Clasicismo. Si bien la colección del pintor y músico Filippo Della Casa se titula “Suonate di Celebri Auttori”, las obras que conforman esta antología son anónimas o de autores prácticamente desconocidos. El Dúo Zapico hace justicia de nuevo a su reputación y presenta interpretaciones exquisitas, técnicamente brillantes y, a su vez, de gran elocuencia. Bien a solo o en elocuente diálogo, ambos hermanos interpretan con gran poder expresivo. De esta manera, mantienen la atención del oyente a lo largo de una hora». (Winter & Winter 910258-2) – ♪♪♪♪♪
Pizzicato | Marzo 2020
El Retrato del laúd
Filippo Dalla Casa (1737 – después 1811) fue un pintor profesional y un intérprete aficionado del archilaúd. En 1811, cuando se decía contar con 74 años, donó su colección de Suonate di Celebri Auttori per l’Arcileuto Francese, su propio instrumento y un auto retrato fechado en 1759 al Liceo Filarmonico (1804), actual Conservatorio Statale di Musica ‘G. B. Martini’ de Bolonia; tal era su fuerte vínculo con la institución cultural donde ejercía como profesor de pintura.
Exceptuando la Sinfonia, todas las piezas provienen de su doble manuscrito, fechado en la Bolonia de 1759 y 60. Entre los poquísimos autores reconocidos o señalados, figuran nombres de laudistas y –especialmente– clavecinistas de la época de los que hoy es muy difícil encontrar noticias en el diccionario musical pero que por entonces debieron ser célebres músicos. Su manuscrito es, pues, una compilación de la música que le gustaba escuchar para interpretarla él mismo. Dalla Casa justifica que “L'Arcileuto Francese, altro non è, che un clavicembalo portatile, tutta la musica che si suona in esso, si eseguisce nell'Arcileuto, col divario che è più difficile (...)” (El archilaúd francés no es más que un clave portátil; toda la música que se toca en él puede reproducirse en el archilaúd con la diferencia de que resulta más difícil). Claro que Dalla Casa no consideraba entonces la posibilidad de utilizar dos instrumentos que maridan tan bien como el archilaúd y la tiorba. Este combo sí puede realmente competir con la rica textura armónica del clave sin limitaciones técnicas. De hecho, seguramente nada más le hubiera gustado a Filippo que poder desdoblarse, dado que además de intérprete de archilaúd, también lo fue de tiorba, tal y como especifica el título de su pequeño tratado anexo: “Regole di Musica, ed’anco le Regole per accompagnare sopra la Parte per Suonare il Basso continuo & per l’Arcileuto Francese, e per la Tiorba. Per uso di me Filippo Dalla Casa Suonatore di essi” (Reglas de música y, además, reglas para acompañar sobre la parte, para realizar el bajo continuo, y para el archilaúd francés y la tiorba. Para mi uso, Filippo Dalla Casa, intérprete de ambos). La mayor parte del Suonate di Celebri Auttori son transcripciones o composiciones para archilaúd a solo. Sin embargo, era costumbre natural en la época que los miembros de una misma familia compartieran música juntos y así lo es también para mi hermano y para mí. Siguiendo este hábito, quisimos revivir las trascripciones de Dalla Casa dotándolas de una lujosa versión a dúo que persiguiese satisfacer aquel ideal que debió de fascinar a Filippo cuando escuchó estas mismas piezas al clave. No obstante, algunas de las obras recogidas sí están escritas originalmente para dos intérpretes, como el Concierto en Do Mayor para mandolina y bajo de archilaúd de Giuseppe Vaccari, también incluido en esta grabación.
La Sinfonia no está firmada y por el momento permanece anónima. Procede del ítem 450, vendido en una subasta organizada por Karl & Faber el 6 de diciembre de 1956 en Múnich. Dicho lote pertenecía a la Graf Harrach Collection de Rohrau, Austria. Su comprador fue el laudista y musicólogo inglés Robert Spencer (1932 – 1997). Hasta hace poco, esta obra se conservaba únicamente en formato digital, en posesión del doctor en musicología Arthur J. Ness (Chicago, 1936), especialista en cuerda pulsada. La obra original fue escaneada por el propio Spencer antes de intentar venderla. Tras su muerte, se perdió el rastro del documento original hasta que recientemente he podido localizarla dentro de la Robert Spencer Collection donada por su familia a la librería de la Royal Academy of Music de Londres, donde estará disponible próximamente en su biblioteca digital (GB-Lam MS799).
Sin duda, la ubicación estilística más importante que puede hacérsele a esta Sinfonia es la de considerarla en su totalidad como una obra posible dentro del marco musical del propio Filippo Dalla Casa, dado que he identificado una referencia al 4o movimiento (sin el acompañamiento) de la Sinfonia en su propio manuscrito. Afortunado hallazgo musicológico. Aunque la copia no es literal, sí es perfectamente reconocible y por esta razón se incluye en el álbum como primera grabación mundial.
Se trata de un repertorio que ya se adentra estilísticamente en el Clasicismo. Es el último capítulo y retrato del laúd; un instrumento que no tardaría mucho más en desaparecer. Es, de hecho, la última fuente catalogada de música para archilaúd.
Pablo Zapico
The Portrait of the Lute
Filippo Dalla Casa [1737 – after 1811] was a professional painter and amateur archlute player. In 1811, likely at 74 years of age, he donated his collection of Suonate di Celebri Auttori per l’Arcileuto Francese, his own instrument and a self-portrait dated 1759 to the Liceo Filarmonico [founded 1804], nowadays the Conservatorio Statale di Musica ‘G. B. Martini’ in Bologna; a sign of the strong connection with the cultural institution where he worked as a painting teacher.
Except for the Sinfonia, all the pieces come from his two-volume manuscript, dated 1759 and 1760 in Bologna. Among the few known or credited authors, there are names of lutenists and –especially– harpsichordists of the time about whom it is very hard to find information in music accounts, but that must have been renowned musicians. His manuscript is, therefore, a compilation of music he enjoyed listening to and performing. Dalla Casa states that »L'Arcileuto Francese, altro non è, che un clavicembalo portatile, tutta la musica che si suona in esso, si eseguisce nell'Arcileuto, col divario che è più difficile [...]« [The French archlute is nothing but a portable harpsichord; all music played on it can be performed on the archlute, with the difference of it being more difficult]. Of course, Dalla Casa didn't consider then the possibility of using two instruments that match as well as the archlute and the theorbo. This combo can actually compete with the harpsichord's rich harmonic texture with no technical limitations. In fact, certainly nothing would have pleased Filippo more than being able to split himself, since he was not only an archlutenist but also a theorbo player, as he stated in the title of his short annexed treatise: »Regole di Musica, ed’anco le Regole per accompagnare sopra la Parte per Suonare il Basso continuo & per l’Arcileuto Francese, e per la Tiorba. Per uso di me Filippo Dalla Casa Suonatore di essi« [Rules of music and also rules to accompany a part, to play thorough-bass & for the French archlute and the theorbo. For my own personal use, Filippo Dalla Casa, player of both].
Most of the Suonate di Celebri Auttori are solo archlute transcriptions or compositions. Nonetheless, it was common at the time for members of the same family to perform music together, and the same applies to my brother and me. Following this tradition, we aimed to revive Dalla Casa's transcriptions, giving them a luxurious duo version, meant to quench the ideal that Filippo must have been fascinated by when he heard these same pieces performed on a harpsichord. However, some of the works collected are originally written for two players, such as the Concerto in C Major for mandolin and bass archlute by Giuseppe Vaccari, also included in this recording.
The Sinfonia is not signed and remains anonymous. It comes from item 450, sold at an auction organized by Karl & Faber on December 6, 1956 in Munich. This lot belonged to the Graf Harrach Collection in Rohrau, Austria. It was purchased by the English lutenist Robert Spencer [1932 – 1997]. Until recently, this work was preserved only in digital format, owned by Arthur J. Ness [Chicago, 1936], Doctor of musicology and a plucked strings specialist. The piece was scanned by Spencer himself before attempting to sell it. After his death, the original document was lost, until recently I was able to find it in the Robert Spencer Collection, donated by his family to the library of the Royal Academy of Music in London, where it will soon be available digitally [GB-Lam MS799].
The most important stylistic contextualization that can be made of this Sinfonia is to consider it as a possible work within Filippo Dalla Casa's musical scene, since I have identified a reference to the 4th movement [without accompaniment] of the Sinfonia in his own manuscript. A most fortunate musicological find. Even though the copy is not literal, it is perfectly recognizable and thus included on the album as a world premiere.
It is a repertoire stylistically already par t of the Classicism. It is the last chapter and portrait of the lute; an instrument that would soon after disappear. This is, in fact, the last cataloged source of music for archlute.
Pablo Zapico
Translation: Maria Bayley -
An Englishman’s Ballad
An Englishman's Ballad
RICERCAR CONSORT
Jeffrey Thompson, Tenor
Daniel Zapico. Theorbo & guitar
Philippe Pierlot, Bass viol
www.labelflora.netJeffrey Thompson’s first CD for Flora is all about a life’s journey through time, emotions, and memories.
The tenor gives us a fantastic spectrum of his vocal and dramatic capacities, painting with extreme variety the depths of human feelings or on the contrary lightness of pure joy and folly… as we can find only in English baroque poetry, on music by John Blow, Jeremiah Clarke, Nicholas Lanier and Henry Purcell (such as the famous “Here, let my Life”).
Accompanied by his beloved continuo players Daniel Zapico on the baroque guitar and theorbo, and Philippe Pierlot on the viola da gamba, a must have for your dark winter eve’s.
An Englishman’s Ballad«El CD pretende ser un viaje vital a través del tiempo, las emociones y los recuerdos. Thompson, de bellísima voz, demuestra poseer un dominio absoluto de esta música, en esencia no es demasiado compleja, pero que necesita de lucidez y chispa para sacarle toda la sustancia que entraña. El acompañamiento de Pierlot y Zapico es sencillamente fastuoso.»
Scherzo
Enrique Velasco | Abril 2020 -
Buxtehude: Membra Jesu Nostri
Buxtehude: Membra Jesu Nostri
RICERCAR CONSORT, Philippe Pierlot
www.mirare.frEn 1680, Dietrich Buxtehude envoie à son ami Gustav Düben la partition des Membra Jesu nostri. Dans cette œuvre d’un équilibre parfait, il s’adresse directement aux sens et nous fait plonger dans les souffrances du Christ : on sent les coups de marteau, le cœur qui s’arrête de battre…. Par le génie de sa musique, Buxtehude parvient à nous émouvoir, à nous éclairer et nous instruire sur le sens profond du texte.
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Handel: Serse
Georg Friedrich Händel: Serse
IL POMO D'ORO, Maxim Emelyanychev
Fecha: Noviembre 2018
Referencia: 0289 483 5784 0
www.deutschegrammophon.comThe first major highlight of the 2018-19 season is ‘Serse’, one of Georg F. Handel’s most compelling dramatic creations. Maxim Emelyanychev conducts il pomo d’oro and a star-studded cast led by superstar counter-tenor Franco Fagioli across Europe in October and November 2018. The 3-CD album of the entire opera, conducted by Maxim Emelyanychev, has been released on Deutsche Grammophon on the 2nd of November 2018, and it is the second collaboration of the orchestra with the historical yellow label.
Serse, Fagioli, Il Pomo d’Oro, Barbican review – a night in counter-tenor heaven«It was fascinating, for instance, to see how the prominent onstage instrumentalists alter the way one hears those iconic Handelian numbers – how Daniel Zapico’s theorbo ornamentation, say, adds to the spine-tingling magic of “Ombra mai fù”, or how Atalanta’s provoking – and beautifully sung – dialogue with the violin on “Un cenno leggiadretto” turns up that teasing aria’s erotic heat.»
The Arts Desk
Boyd Tonkin | Octubre 2018A Serse like no other from Maxim Emelyanychev and Il pomo d’oro«And a special word for theorbo player Daniel Zapico, who underpinned the pungent rhythms with such tangy zest.»
Bachtrack
Stephen Pritchard | Octubre 2018 -
S. Stradella: La Doriclea
Alessandro Stradella: La Doriclea
IL POMO D'ORO, Andrea De Carlo
Fecha: Noviembre 2018
Referencia: Arcana A454
www.outhere-music.comWith the participation of: Emöke Barath, Giuseppina Bridelli, Xavier Sabata, Luca Cervoni, Gabriella Martellacci, Riccardo Novaro
Alessandro Stradella’s place in the annals of the history of music is not only due to the adventurous circumstances that marked his brief existence, but also to the reputation as a opera composer he has acquired since the 18th century. Inaccessible for many decades to specialists and scholars, La Doriclea is definitely the least known of all Stradella’s operas. However, it constitutes a particularly significant chapter in his overall output: composed in Rome during the early 1670s, to our knowledge La Doriclea represents the first opera entirely composed by Stradella.
From the dramatic point of view, La Doriclea belongs to the comedy of intrigue genre typical of the 17th century Spanish theatre tradition. Refined and amusing, it alternates touching lamentos with irresistibly comic scenes, in which the character of Giraldo, a veritable precursor of the basso buffo, allows us to glimpse Rossinian atmospheres.
Emőke Baráth (Doriclea) and Xavier Sabata (Fidalbo) alongside Giuseppina Bridelli (Lucinda) and Luca Cervoni (Celindo) and the comic couple of Delfina (Gabriella Martellacci) and Giraldo (Riccardo Novaro) bring a complex and fascinating role-playing game to life.This world premiere release of La Doriclea is a major achievement for The Stradella Project, which here reaches its fifth volume.
‘Through his festival and recording project, Andrea De Carlo is raising the profile of this pioneering Italian composer’ - David Vickers – GRAMOPHONE
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Concerto Zapico Vol. 2
Concerto Zapico Vol. 2
Forma Antiqva plays Spanish Baroque Dance MusicFORMA ANTIQVA
Aarón Zapico, harpsichord
Daniel Zapico, theorbo
Pablo Zapico, Baroque guitar
& David Mayoral, percussion
Fecha: Abril 2018
Referencia: Winter&Winter 910 248-2
www.formaantiqva.comForma Antiqva: Medicina para el alma«Los integrantes de Forma Antiqva se distinguen, a su vez, por ser excelentes solistas. Daniel hace de la tiorba un apéndice más de su cuerpo. Capaz de acompañar con solvencia a sus hermanos, tiene la particularidad de desarrollar con aplomo pasajes más virtuosos, logrando un sonido doliente en las Españoletas.»
La Nueva España
Jonathan Mallada | Febrero 2021Barroco, gin & tonic«Los Zapico son un referente en su repertorio y demostraron por qué con casi dos horas de concierto en los que la atención del público no decayó. La comunicación entre los hermanos es evidente y, a través de ella, logran convertir una aparente dificultad en su mayor virtud. Tocan unos instrumentos originalmente diseñados para el acompañamiento que mediante sus arreglos y de ese lenguaje fraternal que dicen haber inventado, se convierten en un permanente ejercicio de cortejo. Cada miembro del trío contribuyó a su manera. La tiorba, virtuosa pero también capaz de una deliciosa y doliente sensibilidad en las Españoletas; la guitara, cálida pero también delicada e íntima en el Grabe y Allegro de Murcia; y el clave, alegre, ágil y poco resignado a una función de acompañamiento. Los tres solistas, los tres corales.»
Platea Magazine
Juan José Freijó | Diciembre 2017Review of three concerts from start of the Canberra International Music Festival«Kapsberger’s Passacaglia was exquisite, the delicate guitar introduction ending with one fragile note gently taken and gracefully developed by the theorbo.
The following Improvisaciones sobre Caponas y Chaconas created a mesmerising reverie creating a contrast to the final Fandango by Scarlatti – a surprisingly different style to his more frequently played keyboard sonatas.
How glorious to hear these musicians and feel the music of 18th century Spain brought to life.»The Canberra Times
Jennifer Gall | Mayo de 2016Concerto Zapico en El Escorial: tañed, tañed, malditos«Parte del truco del programa radicaba, claro, en el virtuosismo, que siempre es un reclamo para el oyente (llamativa la perfección de Daniel Zapico a la tiorba en Kapsperger), pero tal vez la forma de embaucar de la formación vaya un punto más lejos: convierten todas las músicas con un ostinato rítmico en pièces de caractère, en una demostración dual de personalidades (la del compositor y la del intérprete) enmarcada dentro de un fandago, una passacaglia o una folía. Se hace de la música juego, y no hay mejor manera de tomársela en serio.»
Bachtrack
Mario Muñoz | Agosto de 2015.Bietigheimer Zeitung«Las danzas barrocas pueden sonar sorprendentemente moderna: Lo demostraron los hermanos Zapico de forma impresionante en su concierto el jueves por la noche.»
«Impresionaba especialmente el virtuosismo de los músicos, tanto en la tiorba como en la guitarra barroca.”
Bietigheimer Zeitung.
Bettina Nowakowski | Junio de 2012.Ludwigsburger Kreiszeitung«Los Zapico pusieron toda su sabiduría, habilidad, fuerza y concentración en esta música. El resultado fue el encantamiento del público con un sonido que fluía de forma suave y cálida.»
Ludwigsburger Kreiszeitung.
Astrid Killinger | Junio de 2012.Forma Antiqva hits the right notes«Here and later on the recital, Daniel Zapico made his theorbo sound more prominent than most other interpreters you come across, who generally content themselves with generating a background buzz. Not this player: his open bass strings resonated with impressive amplitude while the rapidity of his left hand work in rapid passages during a ricercar by Diego Ortiz made the air crackle with controlled fire.»
The Age, Melbourne, Australia.
Clive O’Connell | Octubre de 2007. -
La Ritirata – Neapolitan Concertos
Neapolitan Concertos
Neapolitan Concertos for various instruments.
Works by Fiorenza, Pergolesi, Scarlatti, Porpora and Mancini.LA RITIRATA
Fecha: enero 2018
Referencia: Glossa Music GCD 923106
www.laritirata.com -
Walking Out
Walking Out
ERNST REIJSEGER
FORMA ANTIQVA, Aarón Zapico
Fecha: mayo 2017
Referencia: Winter&Winter 910 243-2
www.formaantiqva.comMovie directors are fascinated by the sound world of composer and cellist Ernst Reijseger. The young movie director’s pair of brothers Alex and Andrew Smith asked the Dutch musician to create the score for their film „Walking Out“. The breathtaking scenery and terrifying loneliness of Montana’s mountains inspired Reijseger to compose and record exceedingly calm sounds full of devotion, intensity and deep emotions.
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A. Stradella: Santa Pelagia
Alessandro Stradella: Santa Pelagia
MARE NOSTRUM, Andrea De Carlo
Fecha: Mayo 2017
Referencia: Arcana A331
www.outhere-music.comWith this fourth instalment of the Stradella Project, Andrea De Carlo and Ensemble Mare Nostrum continue their exploration of the oratorio output, following the recent rediscoveries of San Giovanni Crisostomo and Santa Editta.
A pretty dancing-girl at the imperial court of Antioch in Syria, Pelagia, is the object of rivalry between an evil angel, Mondo (the World), urging her to enjoy life to the full before old age destroys her beauty, and Bishop Nonno of Edessa, who with the help of a good angel, Religione, invites her to a life in the service of God. Pelagia succumbs to the flattery offered by Mondo, but just as the latter is celebrating his victory, she retires unexpectedly to a lonely cave in the wilderness where she can dedicate the rest of her life to the loving service of God. Stradella cannot resist revealing his point of view about this sudden change, giving the oratorio a surprise ending. Soprano Roberta Mameli offers us a complex and seductive portrayal of the title role, surrounded by a distinguished cast including Sergio Foresti as Mondo, Raffaele Pe as Religione and Luca Cervoni as Nonno.
As in previous instalments, the recording was made within the framework of the Alessandro Stradella International Festival in Nepi, the composer’s birthplace.
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The Volcano Symphony
The Volcano Symphony
ERNST REIJSEGER
FORMA ANTIQVA, Aarón Zapico
Fecha: noviembre 2016
Referencia: Winter&Winter 910 240-2
www.formaantiqva.com -
A. Stradella: Santa Editta
Alessandro Stradella: Santa Editta
Santa Editta: Vergine e Monaca, Regina d’InghilerraMARE NOSTRUM, Andrea De Carlo
Fecha: Mayo 2016
Referencia: Arcana A396
www.outhere-music.comWith this third installment of the Stradella Project, Andrea De Carlo and Ensemble Mare Nostrum continue the exploration of the oratorio output, following the recent rediscovery of San Giovanni Crisostomo.
An historical figure from the 10th century, Edith of Wilton was an English nun of noble birth, and legend has it that she refused the opportunity of taking the throne, causing the aversion of a faction of nobles.
The title role of Stradella’s oratorio, Edith is disputed between various allegorical characters: on the one hand Humiltà, pushing her to a chaste monastic life, on the other hand the mundane figures of Grandezza, Bellezza, Nobiltà and Senso, all inviting her to become Queen and enjoy the pleasures of life. In the end, Edith will ignore the strong arguments submitted by the latter in favour of the advice from an arrogant Humiltà, a sort of alter ego of the Queen who was not to be.
The Argentine soprano Verónica Cangemi offers us an emotional portrayal of the title role, surrounded by a distinguished cast, including Francesca Aspromonte as Nobility, Gabriella Martellacci as Greatness, Fernando Guimaraes as Beauty, Sergio Foresti as Sensuality, and Claudia Di Carlo as Humility.
As in previous installments, recording was made within the framework of the Alessandro Stradella International Festival in Nepi, the composer’s birthplace.
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Crudo Amor
Crudo Amor
Dúos de Agostino Steffani para soprano y contratenorEUGENIA BOIX & CARLOS MENA
FORMA ANTIQVA, Aarón Zapico
Fecha: Febrero 2016
Referencia: Winter&Winter 910 231-2
www.crudoamor.com -
Il Trionfo d’Amore
Il Trionfo d'Amore
Serenata de Francisco António de AlmeidaOS MÚSICOS DO TEJO
Ana Quintans, Carlos Mena, Joana Seara, Fernando Guimarães, Cátia Moreso, João Fernandes, Coro Voces Caelestes (director: Sérgio Fontão).
Marcos Magalhães, dirección musical.
Fecha: octubre 2015
Referencia: Naxos 8.573380-81
www.musicosdotejo.com -
The Cello in Spain
The Cello in Spain
Boccherini and other 18th-century virtuosiLA RITIRATA
Fecha: abril 2015
Referencia: Glossa Music GCD 923103
www.laritirata.com -
Opera Zapico
Opera Zapico
Forma Antiqva plays Baroque Opera AriasAARÓN, PABLO & DANIEL ZAPICO
Fecha: Septiembre 2013
Referencia: Winter&Winter 910 206-2
www.operazapico.com
Spotify | iTunes -
Il Spiritillo Brando
Il Spiritillo Brando
Dance music in the courts of Italy and Spain, c.1650LA RITIRATA
Director: Josetxu Obregón
Fecha: Mayo 2013
Referencia: Glossa Music GCD 923101
www.laritirata.com
iTunes -
Le Quattro Stagioni · The Four Seasons
Le Quattro Stagioni · The Four Seasons
Il Cimento dell’Armonia e dell’InventioneTheo Bleckmann (voces) y Uri Caine (teclados)
FORMA ANTIQVA
Director: Aarón Zapico
Solista: Aitor Hevia (violín)
Fecha: Febrero 2012
Referencia: Winter&Winter 910 185-2
www.thefourseasonsbyformaantiqva.com
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Monteverdi: Vespro della Beata Vergine – 1610
Monteverdi: Vespro della Beata Vergine - 1610
L'ARPEGGIATA
Dirección: Christina Pluhar
Fecha: Marzo 2011
Referencia: Virgin Classics 6419940
www.arpeggiata.com
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Concerto Zapico
Concerto Zapico
Forma Antiqva plays Baroque Dance MusicAARÓN, PABLO & DANIEL ZAPICO
Fecha: Diciembre 2010
Referencia: Winter&Winter 910 173-2
www.concertozapico.com
Spotify | iTunesForma Antiqva: Medicina para el alma«Los integrantes de Forma Antiqva se distinguen, a su vez, por ser excelentes solistas. Daniel hace de la tiorba un apéndice más de su cuerpo. Capaz de acompañar con solvencia a sus hermanos, tiene la particularidad de desarrollar con aplomo pasajes más virtuosos, logrando un sonido doliente en las Españoletas.»
La Nueva España
Jonathan Mallada | Febrero 2021Review of three concerts from start of the Canberra International Music Festival«Kapsberger’s Passacaglia was exquisite, the delicate guitar introduction ending with one fragile note gently taken and gracefully developed by the theorbo.
The following Improvisaciones sobre Caponas y Chaconas created a mesmerising reverie creating a contrast to the final Fandango by Scarlatti – a surprisingly different style to his more frequently played keyboard sonatas.
How glorious to hear these musicians and feel the music of 18th century Spain brought to life.»The Canberra Times
Jennifer Gall | Mayo de 2016Concerto Zapico en El Escorial: tañed, tañed, malditos«Parte del truco del programa radicaba, claro, en el virtuosismo, que siempre es un reclamo para el oyente (llamativa la perfección de Daniel Zapico a la tiorba en Kapsperger), pero tal vez la forma de embaucar de la formación vaya un punto más lejos: convierten todas las músicas con un ostinato rítmico en pièces de caractère, en una demostración dual de personalidades (la del compositor y la del intérprete) enmarcada dentro de un fandago, una passacaglia o una folía. Se hace de la música juego, y no hay mejor manera de tomársela en serio.»
Bachtrack
Mario Muñoz | Agosto de 2015.Bietigheimer Zeitung«Las danzas barrocas pueden sonar sorprendentemente moderna: Lo demostraron los hermanos Zapico de forma impresionante en su concierto el jueves por la noche.»
«Impresionaba especialmente el virtuosismo de los músicos, tanto en la tiorba como en la guitarra barroca.”
Bietigheimer Zeitung.
Bettina Nowakowski | Junio de 2012.Ludwigsburger Kreiszeitung«Los Zapico pusieron toda su sabiduría, habilidad, fuerza y concentración en esta música. El resultado fue el encantamiento del público con un sonido que fluía de forma suave y cálida.»
Ludwigsburger Kreiszeitung.
Astrid Killinger | Junio de 2012.Forma Antiqva hits the right notes«Here and later on the recital, Daniel Zapico made his theorbo sound more prominent than most other interpreters you come across, who generally content themselves with generating a background buzz. Not this player: his open bass strings resonated with impressive amplitude while the rapidity of his left hand work in rapid passages during a ricercar by Diego Ortiz made the air crackle with controlled fire.»
The Age, Melbourne, Australia.
Clive O’Connell | Octubre de 2007. -
Amore x Amore
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Sopra Scarlatti
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Boccherini. Sonatas
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P. Miquel López
P. Miquel López
Música per a Orgue, Missa a Onze, Antífones MarianesCAPELLA DE MÚSICA DE MONTSERRAT
Fecha: abril 2008
Referencia: 2007 DISCMEDI S.A.
www.escolania.cat -
Rara Avis v1.0
Rara Avis v1.0
Grabación DVD de concierto en directoFORMA ANTIQVA
Director: Aarón Zapico
Solista: Xavier Sabata
Fecha: Abril 2008
Referencia: Ondas Producción Audiovisual
Ver en Canal YouTube de Forma Antiqva -
Insólito Estupor
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Bizarro!!
Bizarro!!
Música italiana del seicentoFORMA ANTIQVA
Director: Aarón Zapico
Fecha: Noviembre 2005
Referencia: Musifactor MF-0205
La Caramba
